SIMONE ZACCAGNINIVITÆ DRAWINGS MUSIC BLOG WORDS CONTACT
BRIEF INTRODUCTION TO THE GRAPHIC WORK OF SIMONE ZACCAGNINI
Luoghi (Places, n.d.t.) is a graphic novel that draws inspiration from a rap song by Canti In Asociale, the posse band of which Simone is a member.
Thus, on the one hand the images follow the lyrics order, while on the other hand it is the musical, rhythmical element that makes every image a sentence in itself.
Simone drew it instinctively, in a period in which the obsession for portraits had become absolute and was matched by the passion for pictures taken anywhere with a cell phone.
Perhaps the sequence of photographs – with no apparent order or end – brought him to feel the music and the lyrics as a different possibility; in this case there would be no need to justify drawings, or subject them to the resemblances of portraits, the aim is rather to follow a rhythm and create a story, like when one is walking on a street without noticing the link between the things he is watching.
With drawing, he discovered a depth of the image that he did not suspect earlier, or that he confined at the edge of the portrait, in the blank part of the sheet that highlight the figure.
Here the scene is a space dug in the drawing, it is sufficient to observe the perspective of the roads, and the squares, to realise it.
In addition to space, light is the other discovery; no longer the neutral white of paper, but a light that is alive and that has been created with every graphic tool available, a light which is into relief as against the shades, which are also deepened and drawn.
The problem is that light and shadow, black and white, clash, instead of being harmonised, and the traces of such a conflict are the signs ‘soiling’ the image and stealing the attention.
The characters do not seem really interested, and the story does not have a beginning or an end.
Simone told me about his way of observing an object, not directly, but staring at an empty point close to the object, a wall, a chair, like when the gaze is in a daze, and the characters appear in the visual field with no direction, and this is perhaps the aspect that makes them more real than they would be if they were recounted for a moral aim, just because of pity.
In the end, the effect of that of silhouettes without relief, appeared by chance in a room, or in an urban landscape.
The city seems to the Simone’s top place of interest, and luoghi (places) is the title of the story – in a loose imagination – which develops on the backdrop of a road, and it becomes a street only when the city is oppressing and there is no good reason to wander, it seems one is not there and it seems there is nobody, although people approach and avoid each other constantly, like the silhouettes of a rifle range.
The imagination in those moments is a thread that must be followed in order not to become lost, although the roads are well known and there is no need to study the route.
Many scenes seem to have been watched or shot from a running car, from a by-pass, from ‘dead’ places that are neither countryside, nor city.
In such places, using a bit of imagination, the first buttresses of the buildings seem basalt walls, like in the towns of a Middle Age that has yet to come.
Both the portraits series and the luoghi (places) series have a very serious and also comic character.
The strong traits, which almost resemble caricatures, the front pose, and the fixed distance of the model may be referred both to the academic painting and to comics graphics.
Yet Simone wishes to reproduce motion, the instant in which the image appears, and I have the impression that all his portraits are like a “gym” to train his hand to translate every suggestion instantly.
In luoghi motion is conveyed through the sequence of images, which taken one by one – in some cases – seem little pictures.
There is always a twofold aspect in his works: sketch – portrait; white – black; motion – stillness, and these doubles never integrate the one with the other; at worst, as I already said, they are blended in an image that is not perfectly defined, which reminds of a snapshot, the third element in addition to painting and comics, that is present in Simone’s work.
I asked him whether some portraits of Paola, Anna, his brother, one of his friends, were no more than photographs touched up with a pencil, but they were all drawings, at times made starting from a snapshot.
The passion for black and white coincided with the interest in old photographs and the desire to reconstruct the real image of the portraits.
The virtual space – defined by light and dark areas – also becomes a composition of fragments that cannot be identified.
The black and white becomes a fascinating and evil limit in which each contrast is perfectly expressed; also by the grey shades that separates the two extremes.
Therefore, in some way, it is an attempt to clarify things, to give a definite aspect to a reality that is constantly escaping – otherwise what would be the point in ripping the paper? – A scene is particularly charming to me, a night moon in the uppermost quadrant of a window that is being contemplated by a man and a woman, half-naked, on the floor of a room; her knees are bent as an arch, whereas the man straightens up his primitive feet.
To tell the truth, the point of view is shifted, as if there were a third person watching between them, but this does not matter.
What I mean to highlight is the combination of dark sky, moon, human limbs, walls and planes under the soft influx of the night.
The black and white of this image is not funerary, nor is there an atmosphere reminding of death; the characters and the objects enjoy the maximum definition and light when they are perfectly still.
This is why Simone’s passion for snapshots and sequences ends up by seeming a desperate attempt to hunt motion.
Images follow a rhythm, a music, but there is a concrete possibility for image to create music.
A marking pen drawing on a board, and a sensor in the pen translates the drawing into sounds and noises, in real time; this is nothing new if you think about the musical comment to mute films, with the piano player interpreting the images.
For certain aspects, the black and white of luoghi reminds of the first movies, even though music here is made of pure visual rhythm.
This is the mute cinema of photographs of people who are gone, their images run behind a curtain with no colours, what in old photographs seems the fabric of time.
Simone wrote a poem that reads: I believe that the world up to the ‘50s was in black and white, my grandmother was in a scale of grey when she was a child, I cannot imagine her amidst colours, how could I?
Then he wanders what his grandfather looked like when he was alive, he tells episodes full of a sentimental meaning that is obscure to me, but what I do understand is the sense of being unable to remember anything but a handful of gestures, images, perhaps chats of a life, not only one’s own life, and it could not be different, under pain of an obsession.
When I saw these images, and there are many of them, something impressed me, it was not a story, as I believed, and it was not a certain face, unless conceived as a part of a personal memory, which appears unexpectedly in some other person’s desire.
It was simply the black and white of a distance that struck me.
No artist can ask for too long a time for attention on the part of the audience, and this is the problem that risks to make pictures, novels and also films to become unbearable.
In Simone’s tables such a border is respected, partly because they do not form a linear account, and may be shifted leisurely without losing the sense of the story.
I also believe that Simone wishes to draw like he takes pictures with a camera, it is a reasonable utopia, if one thinks that the eyes can grasp the time for the performance of a work of art and that modern eyes, in particular, have developed the taste for what is immediate.
BREVE INTRODUZIONE ALL’OPERA GRAFICA DI SIMONE ZACCAGNINI
Luoghi è una graphic novel ispirata a un brano rap dei Canti In Asociale, la posse di cui Simone è un componente. Da una parte quindi le immagini seguono l’ordine del testo, dall’altra è l’elemento musicale, ritmico che fa di ogni immagine una frase a sé.
Simone l’ha disegnata di getto, in un periodo in cui l’ossessione per i ritratti era diventata assoluta e si accompagnava alla passione per le istantanee scattate ovunque con il cellulare.
Forse la successione delle foto che non aveva ordine e fine, l’ha portato a sentire la musica e il testo come una possibilità diversa: qui non ci sarebbe stato bisogno di giustificare i disegni, né di sottometterli alla somiglianza dei ritratti, si trattava di seguire un ritmo e di creare una storia, come quando in strada uno cammina e immagina senza badare al nesso con le cose che vede.
Con il disegno ha scoperto una profondità dell’immagine che prima non sospettava, o che relegava ai margini del ritratto nella parte bianca del foglio che mette in risalto la figura. Qui la scena è invece uno spazio scavato nel disegno, basta osservare la prospettiva delle strade, delle piazze, per rendersene conto.
Oltre allo spazio, l’altra scoperta è la luce, non più il bianco neutro della carta, ma una luce viva creata con ogni strumento grafico disponibile, una luce che ha rilievo in rapporto alle ombre, anch’esse approfondite e disegnate. Il problema è che luce e ombra, bianco e nero si scontrano, non sono armonizzati, e le tracce di questo conflitto sono i segni che sporcano l’immagine, e che rubano attenzione.
Né i personaggi sembrano investiti da un vero interesse, né la storia ha un vero inizio e una conclusione. Simone mi raccontava del suo modo di osservare un soggetto, non direttamente, ma fissando un punto vuoto in prossimità, un muro, una sedia, come quando lo sguardo si incanta e avviene che i personaggi appaiono nel campo visivo senza una direzione, ed è forse l’aspetto che li rende più veri, che se fossero raccontati per uno scopo morale, di commiserazione.
Alla fine fanno l’effetto di sagome senza rilievo, apparse per caso in una stanza, oppure in un paesaggio urbano.
La città anzi sembra il primo interesse di Simone, del resto luoghi è il titolo della storia, in un’immaginazione libera, che si svolge tutta sul fondale della strada, e diventa una via quando la città è opprimente e non c’è una buona ragione per girare, sembra di non esserci e sembra che non ci sia anima viva anche se le persone vengono incontro e si schivano continuamente, come le sagome di un poligono di tiro.
L’immaginazione in quei momenti è un filo che bisogna seguire per non perdersi, anche se poi le strade sono ben note e non c’è bisogno di studiare il percorso. Molte scene sembrano viste o scattate dall’auto in corsa, dalla tangenziale, da quei luoghi morti né campagna né città, in cui con un po’ di immaginazione i primi contrafforti dei palazzi sembrano muraglie di basalto, come nelle città di un medioevo che deve venire.
Sia la serie dei ritratti che di luoghi hanno un carattere serioso e insieme comico. I tratti forti, quasi caricaturali, la posa frontale, e la distanza fissa del modello sono riferibili sia alla pittura di accademia che alla grafica del fumetto. Ma Simone ha il desiderio di riprodurre il movimento, l’istante stesso in cui l’immagine appare, e ho l’impressione che tutti i suoi ritratti siano una palestra per allenare la mano a tradurre all’istante ogni suggestione. In luoghi il movimento è dato dalla sequenza delle immagini, che prese singolarmente, in qualche caso, sembrano piccoli quadri.
C’è sempre un aspetto doppio nei suoi lavori: bozzetto – ritratto; bianco – nero; movimento – stasi, e questi doppi non si integrano mai, al limite in luoghi, come ho detto, vengono amalgamati in un’immagine non perfettamente definita, che ricorda l’istantanea in fotografia, il terzo elemento oltre con la pittura e il fumetto, presente nel suo lavoro.
Gli ho chiesto se alcuni ritratti di Paola, di Anna, di suo fratello, di un suo amico non fossero fotografie ritoccate a matita, ma erano tutti disegni, magari realizzati a partire da uno scatto. La passione per il bianco e nero coincide con l’interesse per le vecchie fotografie e il desiderio di ricostruire la vera immagine dei ritratti. Anche lo spazio virtuale definito da zone chiare e scure diventa una composizione di frammenti che non possono essere identificati.
Il bianco e nero diventa un limite affascinante e maligno in cui ogni contrasto è perfettamente espresso, anche dalla scala di grigi che separa i due estremi. In qualche modo, quindi, è il tentativo di fare chiarezza, di dare un aspetto definitivo a una realtà che sfugge – altrimenti che senso avrebbero le lacerazioni sulla carta? – Una scena mi affascina, è una luna notturna nel quadrante più alto della finestra contemplata da un uomo e da una donna seminudi sul pavimento della stanza, lei tiene le ginocchia piegate ad arco e l’uomo drizza i piedi primitivi.
Per la verità, il punto di vista è spostato come se tra loro ci fosse un terzo sguardo, ma non ha importanza. Quello che voglio dire è l’aderenza di cielo scuro, luna, arti umani, muri e piani uniti sotto l’influsso morbido della notte. Insomma il bianco e nero di questa immagine non è funebre né l’atmosfera mortuaria ma i personaggi e gli oggetti hanno il massimo di definizione e di luce quando sono perfettamente immobili. Per questo la passione di Simone per l’istantanea e le sequenze finisce per sembrare un tentativo disperato di braccare il movimento.
Le immagini seguono un ritmo, una musica, ma c’è la possibilità concreta che l’immagine crei la musica. Un pennarello disegna su una lavagna, e un sensore al suo interno traduce il disegno in suoni e rumori, in tempo reale, non è niente di nuovo se si pensa al commento musicale del cinema muto, con il pianista che interpreta le immagini. Per certi aspetti il bianco e nero di luoghi ricorda il primo cinema, anche se qui la musica è fatta di puro ritmo visivo. È il cinema muto delle fotografie di persone che non ci sono più, le loro immagini scorrono dietro la cortina senza colori, quella che nelle vecchie fotografie sembra la materia del tempo.
Simone ha scritto una poesia che recita, Sono convinto che il mondo fino agli anni cinquanta era in bianco e nero, mia nonna da piccola era in scala di grigio, non ce la vedo proprio tra i colori, come si può? Poi si domanda che faccia avesse suo nonno quando era vivo, racconta episodi carichi di un significato sentimentale che mi resta oscuro, ma è chiaro il senso, dell’impossibilità di ricordare altro che una manciata di gesti, immagini, forse chiacchiere di una vita, non solo la propria, e non può essere altrimenti, pena un’ossessione.
Quando ho visto queste immagini, e sono tante, qualcosa mi ha colpito, non era un racconto come credevo né una certa fisionomia, a meno che non la si intenda come parte di un ricordo personale, che appare in modo inaspettato nel desiderio di un altro. Era semplicemente il bianco e nero di una distanza.
Nessun artista può pretendere dal pubblico un tempo di attenzione troppo lungo, è il problema che rischia di mettere i quadri, i romanzi e anche i film fuori dai confini della sopportazione. Nelle tavole di Simone il confine è rispettato, anche perché queste non formano un racconto lineare e si possono spostare a piacere senza che nel complesso si perda il senso della storia.
Credo pure che Simone desideri disegnare come scatta le fotografie, è un’utopia ragionevole se si pensa che l’occhio ha la capacità di cogliere il tempo di esecuzione di un’opera d’arte e che l’occhio moderno, in particolare, ha molto sviluppato il gusto per ciò che è immediato.